El experimento del Dr. Van Sant

La cámara capta el desnudo Road trip de un Mercedes-Benz sobre la autopista que no hace mas que dejar atrás la huella de un carro predestinado a ser abandonado como un bebe recién nacido en el desierto. El contexto casi deshabitado va acompañado de suaves melodías de piano y violín bajo el nombre de “Spiegel im spiegel”, fabricadas por el grandísimo compositor Arvo Pärt. Todo el conjunto de unidades extensas inician el camino de un plan poco antes visto dentro de la industria del cine, o mejor dicho, del septimo arte.

Dios mismo iluminó el año en que Gus Van Sant decidió ahuyentarse de sus trabajos comerciales y hacerle honor a sus emociones y creaciones personales. Así dio reconocimiento a su época de director indie y hecho a marchar la turbina que dio nacimiento a la primera de las películas que completan a la E S P L E N D I D A trilogía de la muerte (Gerry, Elephant, Last Days).

Ver a Gerry como cualquier otro film es un error total para cualquier tipo de espectador. Debe apreciarse sabiendo que estamos frente a un producto de arte cinematográfico simple, centrado en un ambiente tanto agorafóbico, como claustrofóbico a una narración en tiempo real con escasísimos diálogos y gran cantidad de planos secuencia largos formulados en el escarmiento de dos jóvenes “tocayos” llamados Gerry, penetrándose claramente en una desértica montaña con el pretexto de visionar “algo”. Ese algo pierde su sentido cuando ambos se ven perdidos, sin agua y con pocas posibilidades de sobrevivir.

La combinación minimalista de artes y grandezas geográficas convierte a esta cinta en una montaña de sutilezas superiores logradas por un director creador de algo con vida propia, pasando así a convertirse en una criatura libre, desnuda y sofocante, no apta para todo publico debido a su lentitud y experimentalismo que al fin y al cabo terminan siendo una paradoja de imágenes duraderas con una carga emocional que traspasa las vías del cine contemporáneo, tornándose en nada mas que una soberbia obra de culto del ultimo siglo.

No sentirse descaminado a lo largo del metraje es algo imposible dentro de la hora y media de duración. Las imágenes y expresiones acompañan a una belleza capas de envolver al espectador en una toalla de amargura y falta de vitalidad que se expresa en el acontecimiento central. Los pasos y respiros incrementan el grado de pureza que contiene la esencia del propósito, marcando así el manejo de tiempos que Van Sant asegura de mostrar como algo inmortal e indefinido.

Descontrol total que dividió a la crítica. Pero como mi amigo cinèpata Gaspar se refiere a los Hermanos Coen, con Gerry o se ama con locura o se odia con soltura, no se puede quedar indiferente.

Observación:
Dos hombres viajan en coche. Dirección: da lo mismo.

Dos hombres se paran en el desierto.Razón: para descansar un rato.

Dos hombres, uno con el pelo rubio y otro castaño (llamados, Gerry y Gerry, respectivamente) se pierden en el desierto. Motivo: extravíe.

La arena les golpea en la cara. Razón: cosas de la naturaleza.

El sol persigue sus pasos. Finalidad: abrazarlos.

Conclusión: 'Una imagen vale más que mil palabras'

L`enfant ... dos jovenes y un niño

Demostrando admiración por el trabajo de los Dardenne, ganadores en Cannes este año por su guión plasmado para la película de su mismo calibre “Le silence de Lorna”, he decidido volver al rubro con un proyecto que me supero en todo sentido y a la vez me dejo con una fuerte depresión por un periodo de tiempo cercano a la semana y media. Hablo de “L`enfant”, un proyecto también ganador de la palma de oro en Cannes el 2005.

Oficialmente Luc y Jean-Pierre Dardenne no varían en estilos. Su modalidad purista, sin artificios, ni falsedades, hacen de sus fábulas escenarios más palpables para el espectador. Sus historias representan momentos difíciles, problemáticas universales y dramáticas que de algún modo tocan a la sociedad en general y sobretodo, a los jueces del festival de Cannes, hablando límpidamente con un tono irónico y vergonzoso.

La trama de la película es mínima. Su simplicidad física provoca un impacto al notar la complejidad del tema en cuestión por los belgas. El plato se vuelve a servir de la misma manera que en sus realizaciones anteriores. Se utiliza como centro de luz a personajes fuera de foco, indefensos e inmersos en aislamiento mismo incontrolado por otros factores. Su preocupación por reflejar dilemas morales y representar las consecuencias de las difíciles decisiones tomadas por la sociedad, fija a esta cinta en el mismo entorno de los otros proyectos reconocidos a nivel mundial para el dúo de realizadores.

Nuevamente los Dardenne utilizan a adolescentes como centro de sus historias, notando así la preocupación y el interés por reflejar evoluciones y cambios en la vida de gente atrapada en una sociedad donde se debe elegir entre el buen o mal camino. Son seres sin pasado y sin futuro, que viven en la inmediatez que lleva consigo la falta de trabajo, la soledad y la escasa cultura. No son gentes privilegiadas ni que busquen prosperar: les basta con subsistir, con resolver el problema del momento, sin plantearse otras coyunturas. En ese terreno, la moral no tiene sitio porque la misma sociedad les ha quitado gran parte de su responsabilidad y su conciencia se ha cauterizado, porque les ha empujado a defenderse como pueden entre tanta precariedad. Luchan por escapar de la soledad, anhelan y buscan una difícil felicidad... para acabar contentándose con lo que tienen.

Los silencios son característicos, eternos, indestructibles y necesarios. Marcan a la historia y dejan apreciar a los personajes a los ojos como si nada, con tranquilidad y reflexión misma utilizando la sensibilidad que uno posee a diario. Estas y otras técnicas sellan el andar del film y lo convierten en un gran merecedor y ganador de los premios otorgados. Cine europeo de calidad, reconocido internacionalmente y que discurre por las sendas ya trilladas en "Rosetta", "Le filis" o "La promesse": esto puede verse como timbre de autor o como ausencia de riesgos e innovación, según la lectura que el espectador quiera hacer, pero no cabe duda de su honestidad y de su sentido del compromiso.

Consejillo de este cinéfilo de corazón: véanla y orínense, por lo menos yo me orine de pena y rabia, sobretodo con la escena final."

Destino anterior ... Bariloche

"Todos los hombres que se han distinguido en la filosofía, en la política, en la poesía, en la ciencia, han sido melancólicos."

Aristoteles.

Desviando tema, costumbre, onda, todo. Perdido en Argentina. Que ganas de filmar desde esas alturas. Hotel Aguas del sur. Es como el Hotel city. Pero en verano junto a los che.

De vuelta... con grandeza en mano

Antes de seguir con Psycho, de Hitchcock. Hoy me di una vuelta por el Cine Hoyts y me tope con una gran gran película. Se trata de No country for old men, un misterioso titulo que despues de todo, se entiende a la perfección.

Me queda grande, sin palabras, magnifico. Una película que me sorprendió en forma profunda, que sigue aquí, fuera de la pantalla, con el espectador, no abandona, deja pálido, es de esas buenas películas, así de exacto.

Los Coen siguen con su línea, su estilo. Me anduve acordando de Fargo por unos instantes, eso me reconforto más aun. Además, no hay música, sino sonidos alucinantes protagónicos.

Bravo por las actuaciones, todas. Merecido el oscar de Bardem y Tommy Lee Jones se merecía una nominación por esta, sin duda.

Al final, risas. No por mi, que entendí todo, sino por los de abajo, arriba y al lado, que entendieron nada. El monologo final es audaz, emotivo, noble, magno. De esos finales que requieren bolas. Los Coen tienen cuatro y se nota.

Atmosferas

Algun dia me encontrare yo y mi filmadora frente a Manhattan y dos extraños contemplando la gran ciudad.

"El cine ya no es solo un medio para contar historias. Ese período ya pasó. El cine no es una novela con imágenes. No consiste en la manipulación de las emociones del espectador. No es educativo, ni es entretenimiento. El mejor cine es aquel que hace preguntas. Y queda para el espectador buscar la respuesta, completar el trabajo inacabado. Existen tantas versiones distintas de una película como espectadores”

Abbas Kiarostami

Destino final .. Tokio

Sin palabras. Solo sensaciones. Se entendio todo y quedo clarisimo que Soffia ya no es "la hija de", sino que ya se consolida como debe ser, Sofia Coppola, la directora.

Quizas es algo que aya visto por primera vez. Quizas no. Pero entre todo lo que deja la cinta te demuestra que es otra de las tipicas historias de encuentros casuales cargados de nostalgia, pero distinta, es mas original, muy innovadora y sensilla, aparte que la fotografia es genial destacando el logro realizado por el fotografo Lance Acord ("¿Quieres ser John Malkovich?") y el propio poder de observacion de Coppola hacia la protagonista principal, Tokio.

Lost in translation no es mas que una historia de dos seres insatisfechos, conectados entre si contra una gran ciudad y encerrados en un hotel de cinco estrellas. Es una representacion de soledad en una ciudad cualuquiera, que no te deja dormir y te tiene desconcertado con tanto elemento raro de la raza amarilla. Es tambien el desarrollo de emociones y la posibilidad de encontrar amor en los sitios mas inimaginalbles para un ser occidental. Es mucho en tan poca accion, solo sinceridad y honestidad que te deja volando con solo el respeto absoluto que se tiene por las emociones de los personajes. Coppola logra un relato conmovedor y dos de las mejores actuaciones que han tenido en su carrera sus dos protagonistas principales. Por un lado, la jovencita Johansson demuestra que el tener poca edad no es impedimento para poder sentir emociones más maduras o comprender una psicología más adulta. Su actuación no es de grandes actos dramáticos ni mucho menos, sino al contrario, es de momentos bastante sutiles en los que dice mucho más con una sola mirada, con un gesto, que con cualquier palabra.
Para ayudar a Johansson a construir su personaje está el que se lleva la película, Bill Murray, quien tiene aquí si no la mejor actuación de su vida, sí es la más sutil, la más contenida y la más emotiva. El ver a un actor como el, normalmente exagerado y gesticulador, en una etapa de decadencia y sin esa chispa que lo caracteriza, es de llamar la atención.
Murray no sólo es divertido – algunas de sus líneas son mucho más jocosas que varias de sus películas anteriores juntas – sino también tierno, refinado, melancólico. El tipo de hombre que se encuentra en una etapa de su vida de la cual exige salir a gritos. Sencillamente es de Oscar. Pero el trabajo de Murray no desmerece en lo absoluto. Simplemente la secuencia final, donde ambos personajes se susurran algo al oído – y que al espectador no le es permitido escuchar – es de antología.

Recomendable al 100%. Su ternura y honestidad te puede tener viendo esta cinta a las seis de la mañana como si nada. La fotografia es hermosisima y muy responsable del brillante resultado final. Sencillamente inolvidable y detona en mi una pena enorme por haberla devuelto antes de ayer, ahora solo falta buscar otra peli que me haga sentir lo mismo, ojala ocurra si dios quiere.

THE LOST BOYS ... algo personalmente nostalgico

Lo que presentare en estos momentos no es de las obras maestras del cine, mas bien es de esas peliculas que se usaba para entretener a los muchachos ochenteros de aquel tiempo, pero bueno, de todos modos termino siendo una obra de culto para la epoca.

Desde un punto de vista personal este film es algo nostalgico a la hora de verlo, no tiene porque serlo devido a que es una comedia de horror, pero para mi fue el inicio de ese vicio que provoca en la gente esto del cine. Me acuerdo que fui a Blockbuster con mi papa, totito y mis primas.En ese tiempo se arrendaban vhc y mi papa habia comprado un video para reproducir estos. Entre tantas peliculas que se llevó, se llevo una que me llamó la atencion, por el nombre, era pendejo y cualquier cosa me llamaba la atencion. La generacion perdida, asi se llamaba, era una de vampiros. De una, no cache como era la pelicula y fue ahi donde salto mi papa y me dijo algo que marco mi vida por completo. Textualmente produjo las siguientes palabras: Hijo, ese de pelo negro y largo es el "jovencito" y el de pelo amarillo es el "malo". Luego de eso entendi todo, me meti en la pelicula y deje de ver las peliculas de dibujos animados que veia siempre. La explicacion del jovencito y el malo me hizo plantarme en blockbuster por muchos años, sin depender del video que luego de un tiempo se hecho a perder, algo que para mi fue terrible, los malditos cabesales, me mori, en serio.

La generación perdida fue dirigida por un gran Joel Schumacher quien supo otorgar a esta película un estilo único, sin dejar de nombrar a Richard Donner en la producción. El reparto cuenta con estrellas juveniles de los 80 como Corey Haim y Corey Feldman, pero la figura del film es sin duda Kiefer Sutherland, cuya imagen es perfecta para encarnar a David (el malo), líder de una banda juvenil de vampiros urbanos. En reparto también figuran, Jason Patric interpretando a Michael (el jovencito), Diane Wiest como la madre de Patric y Haim.
El guión es sencillo, Michael y Sam junto a su madre se mudan a la casa de su abuelo en la costa, Michael el mayor, no tarda en fijarse en una joven quien resulta ser parte de una pandilla y es por esta razón que el muchacho se une a ésta, encontrándose con la sorpresa de que todos sus integrantes son vampiros, en tanto, Sam y dos amigos tratarán de acabar con la horda de vampiros e intentarán rescatar a michael de sus garras.
Quizás la estética es demasiado ochentera, hay momentos en que parece estar viendo un videoclip, pero ese es uno de los elementos que hace que se haya convertido en una película de culto, sobretodo por la nostalgia que transmiten esas imágenes.

La música acompaña perfectamente esa estética, con una banda sonora compuesta por grupos como INXS o ECHO AND THE BUNNYMEN, que acentúan su componente gótico,como olvidar el tema CRY LITTLE SISTER, un clasico, sin duda alguna.

La generación perdida fue el punto de inflexión en el tema del vampirismo moderno, muchas de las películas posteriores sobre el tema tienen claras referencias a ésta ( entrevista con el vampiro,hasta blade).
Buen desarrollo y un final que ofrece buenas dosis de sangre, buenos efectos especiales, una de esas películas que hacen pasar un buen rato a cualquiera

Mas que todo publicar algo sobre este film, es recordar las raices de algo que hoy en dia se convierto en una labor muy seria e interesante para mi. Hoy, ando mas o menos igual que cuando tenia 5 o 7 años, ya ni me acuerdo, vivo dentro de un videoclub, buscando que ver para satisfacer mis necesidades de cinefilo. Si hay alguien a quien tengo que agradecerle por todo lo que he visto, es a mi padre, eso se nota muchisimo, todavia hablamos de obras cinematograficas por telefono desde la lejania, espero verlo muy luego y ojala lea esto, porque va para él, sin duda alguna va para él, si no fuera por él y por lo que me ha inculcado con los años, no estaria escribiendo de esta forma ni de estas cosas, un abrazo a lo lejos y nos vemos pronto, un aplauso de pie y cinco estrellas para los inicios de cada uno en este invento del demonio llamado cinematografia.