El experimento del Dr. Van Sant

La cámara capta el desnudo Road trip de un Mercedes-Benz sobre la autopista que no hace mas que dejar atrás la huella de un carro predestinado a ser abandonado como un bebe recién nacido en el desierto. El contexto casi deshabitado va acompañado de suaves melodías de piano y violín bajo el nombre de “Spiegel im spiegel”, fabricadas por el grandísimo compositor Arvo Pärt. Todo el conjunto de unidades extensas inician el camino de un plan poco antes visto dentro de la industria del cine, o mejor dicho, del septimo arte.

Dios mismo iluminó el año en que Gus Van Sant decidió ahuyentarse de sus trabajos comerciales y hacerle honor a sus emociones y creaciones personales. Así dio reconocimiento a su época de director indie y hecho a marchar la turbina que dio nacimiento a la primera de las películas que completan a la E S P L E N D I D A trilogía de la muerte (Gerry, Elephant, Last Days).

Ver a Gerry como cualquier otro film es un error total para cualquier tipo de espectador. Debe apreciarse sabiendo que estamos frente a un producto de arte cinematográfico simple, centrado en un ambiente tanto agorafóbico, como claustrofóbico a una narración en tiempo real con escasísimos diálogos y gran cantidad de planos secuencia largos formulados en el escarmiento de dos jóvenes “tocayos” llamados Gerry, penetrándose claramente en una desértica montaña con el pretexto de visionar “algo”. Ese algo pierde su sentido cuando ambos se ven perdidos, sin agua y con pocas posibilidades de sobrevivir.

La combinación minimalista de artes y grandezas geográficas convierte a esta cinta en una montaña de sutilezas superiores logradas por un director creador de algo con vida propia, pasando así a convertirse en una criatura libre, desnuda y sofocante, no apta para todo publico debido a su lentitud y experimentalismo que al fin y al cabo terminan siendo una paradoja de imágenes duraderas con una carga emocional que traspasa las vías del cine contemporáneo, tornándose en nada mas que una soberbia obra de culto del ultimo siglo.

No sentirse descaminado a lo largo del metraje es algo imposible dentro de la hora y media de duración. Las imágenes y expresiones acompañan a una belleza capas de envolver al espectador en una toalla de amargura y falta de vitalidad que se expresa en el acontecimiento central. Los pasos y respiros incrementan el grado de pureza que contiene la esencia del propósito, marcando así el manejo de tiempos que Van Sant asegura de mostrar como algo inmortal e indefinido.

Descontrol total que dividió a la crítica. Pero como mi amigo cinèpata Gaspar se refiere a los Hermanos Coen, con Gerry o se ama con locura o se odia con soltura, no se puede quedar indiferente.

Observación:
Dos hombres viajan en coche. Dirección: da lo mismo.

Dos hombres se paran en el desierto.Razón: para descansar un rato.

Dos hombres, uno con el pelo rubio y otro castaño (llamados, Gerry y Gerry, respectivamente) se pierden en el desierto. Motivo: extravíe.

La arena les golpea en la cara. Razón: cosas de la naturaleza.

El sol persigue sus pasos. Finalidad: abrazarlos.

Conclusión: 'Una imagen vale más que mil palabras'

L`enfant ... dos jovenes y un niño

Demostrando admiración por el trabajo de los Dardenne, ganadores en Cannes este año por su guión plasmado para la película de su mismo calibre “Le silence de Lorna”, he decidido volver al rubro con un proyecto que me supero en todo sentido y a la vez me dejo con una fuerte depresión por un periodo de tiempo cercano a la semana y media. Hablo de “L`enfant”, un proyecto también ganador de la palma de oro en Cannes el 2005.

Oficialmente Luc y Jean-Pierre Dardenne no varían en estilos. Su modalidad purista, sin artificios, ni falsedades, hacen de sus fábulas escenarios más palpables para el espectador. Sus historias representan momentos difíciles, problemáticas universales y dramáticas que de algún modo tocan a la sociedad en general y sobretodo, a los jueces del festival de Cannes, hablando límpidamente con un tono irónico y vergonzoso.

La trama de la película es mínima. Su simplicidad física provoca un impacto al notar la complejidad del tema en cuestión por los belgas. El plato se vuelve a servir de la misma manera que en sus realizaciones anteriores. Se utiliza como centro de luz a personajes fuera de foco, indefensos e inmersos en aislamiento mismo incontrolado por otros factores. Su preocupación por reflejar dilemas morales y representar las consecuencias de las difíciles decisiones tomadas por la sociedad, fija a esta cinta en el mismo entorno de los otros proyectos reconocidos a nivel mundial para el dúo de realizadores.

Nuevamente los Dardenne utilizan a adolescentes como centro de sus historias, notando así la preocupación y el interés por reflejar evoluciones y cambios en la vida de gente atrapada en una sociedad donde se debe elegir entre el buen o mal camino. Son seres sin pasado y sin futuro, que viven en la inmediatez que lleva consigo la falta de trabajo, la soledad y la escasa cultura. No son gentes privilegiadas ni que busquen prosperar: les basta con subsistir, con resolver el problema del momento, sin plantearse otras coyunturas. En ese terreno, la moral no tiene sitio porque la misma sociedad les ha quitado gran parte de su responsabilidad y su conciencia se ha cauterizado, porque les ha empujado a defenderse como pueden entre tanta precariedad. Luchan por escapar de la soledad, anhelan y buscan una difícil felicidad... para acabar contentándose con lo que tienen.

Los silencios son característicos, eternos, indestructibles y necesarios. Marcan a la historia y dejan apreciar a los personajes a los ojos como si nada, con tranquilidad y reflexión misma utilizando la sensibilidad que uno posee a diario. Estas y otras técnicas sellan el andar del film y lo convierten en un gran merecedor y ganador de los premios otorgados. Cine europeo de calidad, reconocido internacionalmente y que discurre por las sendas ya trilladas en "Rosetta", "Le filis" o "La promesse": esto puede verse como timbre de autor o como ausencia de riesgos e innovación, según la lectura que el espectador quiera hacer, pero no cabe duda de su honestidad y de su sentido del compromiso.

Consejillo de este cinéfilo de corazón: véanla y orínense, por lo menos yo me orine de pena y rabia, sobretodo con la escena final."

Destino anterior ... Bariloche

"Todos los hombres que se han distinguido en la filosofía, en la política, en la poesía, en la ciencia, han sido melancólicos."

Aristoteles.

Desviando tema, costumbre, onda, todo. Perdido en Argentina. Que ganas de filmar desde esas alturas. Hotel Aguas del sur. Es como el Hotel city. Pero en verano junto a los che.

De vuelta... con grandeza en mano

Antes de seguir con Psycho, de Hitchcock. Hoy me di una vuelta por el Cine Hoyts y me tope con una gran gran película. Se trata de No country for old men, un misterioso titulo que despues de todo, se entiende a la perfección.

Me queda grande, sin palabras, magnifico. Una película que me sorprendió en forma profunda, que sigue aquí, fuera de la pantalla, con el espectador, no abandona, deja pálido, es de esas buenas películas, así de exacto.

Los Coen siguen con su línea, su estilo. Me anduve acordando de Fargo por unos instantes, eso me reconforto más aun. Además, no hay música, sino sonidos alucinantes protagónicos.

Bravo por las actuaciones, todas. Merecido el oscar de Bardem y Tommy Lee Jones se merecía una nominación por esta, sin duda.

Al final, risas. No por mi, que entendí todo, sino por los de abajo, arriba y al lado, que entendieron nada. El monologo final es audaz, emotivo, noble, magno. De esos finales que requieren bolas. Los Coen tienen cuatro y se nota.

Atmosferas

Algun dia me encontrare yo y mi filmadora frente a Manhattan y dos extraños contemplando la gran ciudad.

"El cine ya no es solo un medio para contar historias. Ese período ya pasó. El cine no es una novela con imágenes. No consiste en la manipulación de las emociones del espectador. No es educativo, ni es entretenimiento. El mejor cine es aquel que hace preguntas. Y queda para el espectador buscar la respuesta, completar el trabajo inacabado. Existen tantas versiones distintas de una película como espectadores”

Abbas Kiarostami

Destino final .. Tokio

Sin palabras. Solo sensaciones. Se entendio todo y quedo clarisimo que Soffia ya no es "la hija de", sino que ya se consolida como debe ser, Sofia Coppola, la directora.

Quizas es algo que aya visto por primera vez. Quizas no. Pero entre todo lo que deja la cinta te demuestra que es otra de las tipicas historias de encuentros casuales cargados de nostalgia, pero distinta, es mas original, muy innovadora y sensilla, aparte que la fotografia es genial destacando el logro realizado por el fotografo Lance Acord ("¿Quieres ser John Malkovich?") y el propio poder de observacion de Coppola hacia la protagonista principal, Tokio.

Lost in translation no es mas que una historia de dos seres insatisfechos, conectados entre si contra una gran ciudad y encerrados en un hotel de cinco estrellas. Es una representacion de soledad en una ciudad cualuquiera, que no te deja dormir y te tiene desconcertado con tanto elemento raro de la raza amarilla. Es tambien el desarrollo de emociones y la posibilidad de encontrar amor en los sitios mas inimaginalbles para un ser occidental. Es mucho en tan poca accion, solo sinceridad y honestidad que te deja volando con solo el respeto absoluto que se tiene por las emociones de los personajes. Coppola logra un relato conmovedor y dos de las mejores actuaciones que han tenido en su carrera sus dos protagonistas principales. Por un lado, la jovencita Johansson demuestra que el tener poca edad no es impedimento para poder sentir emociones más maduras o comprender una psicología más adulta. Su actuación no es de grandes actos dramáticos ni mucho menos, sino al contrario, es de momentos bastante sutiles en los que dice mucho más con una sola mirada, con un gesto, que con cualquier palabra.
Para ayudar a Johansson a construir su personaje está el que se lleva la película, Bill Murray, quien tiene aquí si no la mejor actuación de su vida, sí es la más sutil, la más contenida y la más emotiva. El ver a un actor como el, normalmente exagerado y gesticulador, en una etapa de decadencia y sin esa chispa que lo caracteriza, es de llamar la atención.
Murray no sólo es divertido – algunas de sus líneas son mucho más jocosas que varias de sus películas anteriores juntas – sino también tierno, refinado, melancólico. El tipo de hombre que se encuentra en una etapa de su vida de la cual exige salir a gritos. Sencillamente es de Oscar. Pero el trabajo de Murray no desmerece en lo absoluto. Simplemente la secuencia final, donde ambos personajes se susurran algo al oído – y que al espectador no le es permitido escuchar – es de antología.

Recomendable al 100%. Su ternura y honestidad te puede tener viendo esta cinta a las seis de la mañana como si nada. La fotografia es hermosisima y muy responsable del brillante resultado final. Sencillamente inolvidable y detona en mi una pena enorme por haberla devuelto antes de ayer, ahora solo falta buscar otra peli que me haga sentir lo mismo, ojala ocurra si dios quiere.

THE LOST BOYS ... algo personalmente nostalgico

Lo que presentare en estos momentos no es de las obras maestras del cine, mas bien es de esas peliculas que se usaba para entretener a los muchachos ochenteros de aquel tiempo, pero bueno, de todos modos termino siendo una obra de culto para la epoca.

Desde un punto de vista personal este film es algo nostalgico a la hora de verlo, no tiene porque serlo devido a que es una comedia de horror, pero para mi fue el inicio de ese vicio que provoca en la gente esto del cine. Me acuerdo que fui a Blockbuster con mi papa, totito y mis primas.En ese tiempo se arrendaban vhc y mi papa habia comprado un video para reproducir estos. Entre tantas peliculas que se llevó, se llevo una que me llamó la atencion, por el nombre, era pendejo y cualquier cosa me llamaba la atencion. La generacion perdida, asi se llamaba, era una de vampiros. De una, no cache como era la pelicula y fue ahi donde salto mi papa y me dijo algo que marco mi vida por completo. Textualmente produjo las siguientes palabras: Hijo, ese de pelo negro y largo es el "jovencito" y el de pelo amarillo es el "malo". Luego de eso entendi todo, me meti en la pelicula y deje de ver las peliculas de dibujos animados que veia siempre. La explicacion del jovencito y el malo me hizo plantarme en blockbuster por muchos años, sin depender del video que luego de un tiempo se hecho a perder, algo que para mi fue terrible, los malditos cabesales, me mori, en serio.

La generación perdida fue dirigida por un gran Joel Schumacher quien supo otorgar a esta película un estilo único, sin dejar de nombrar a Richard Donner en la producción. El reparto cuenta con estrellas juveniles de los 80 como Corey Haim y Corey Feldman, pero la figura del film es sin duda Kiefer Sutherland, cuya imagen es perfecta para encarnar a David (el malo), líder de una banda juvenil de vampiros urbanos. En reparto también figuran, Jason Patric interpretando a Michael (el jovencito), Diane Wiest como la madre de Patric y Haim.
El guión es sencillo, Michael y Sam junto a su madre se mudan a la casa de su abuelo en la costa, Michael el mayor, no tarda en fijarse en una joven quien resulta ser parte de una pandilla y es por esta razón que el muchacho se une a ésta, encontrándose con la sorpresa de que todos sus integrantes son vampiros, en tanto, Sam y dos amigos tratarán de acabar con la horda de vampiros e intentarán rescatar a michael de sus garras.
Quizás la estética es demasiado ochentera, hay momentos en que parece estar viendo un videoclip, pero ese es uno de los elementos que hace que se haya convertido en una película de culto, sobretodo por la nostalgia que transmiten esas imágenes.

La música acompaña perfectamente esa estética, con una banda sonora compuesta por grupos como INXS o ECHO AND THE BUNNYMEN, que acentúan su componente gótico,como olvidar el tema CRY LITTLE SISTER, un clasico, sin duda alguna.

La generación perdida fue el punto de inflexión en el tema del vampirismo moderno, muchas de las películas posteriores sobre el tema tienen claras referencias a ésta ( entrevista con el vampiro,hasta blade).
Buen desarrollo y un final que ofrece buenas dosis de sangre, buenos efectos especiales, una de esas películas que hacen pasar un buen rato a cualquiera

Mas que todo publicar algo sobre este film, es recordar las raices de algo que hoy en dia se convierto en una labor muy seria e interesante para mi. Hoy, ando mas o menos igual que cuando tenia 5 o 7 años, ya ni me acuerdo, vivo dentro de un videoclub, buscando que ver para satisfacer mis necesidades de cinefilo. Si hay alguien a quien tengo que agradecerle por todo lo que he visto, es a mi padre, eso se nota muchisimo, todavia hablamos de obras cinematograficas por telefono desde la lejania, espero verlo muy luego y ojala lea esto, porque va para él, sin duda alguna va para él, si no fuera por él y por lo que me ha inculcado con los años, no estaria escribiendo de esta forma ni de estas cosas, un abrazo a lo lejos y nos vemos pronto, un aplauso de pie y cinco estrellas para los inicios de cada uno en este invento del demonio llamado cinematografia.

Expresar como nunca

Esto lo rescaté del Blog de Alberto Fuguet, son frases, al azar, de uno de los pioneros del cine independiente en America, John Cassavetes. No soy de esos que copian de otros lados, pero creo que esta puede ser una excepcion, ademas, te impulsa a mostrar aquellas cosas que van mas allá de todo, lo que amo y muero de ganas de hacer, aparte de muchas cosas. Aqui les va:

De J. Cassavetes:

“Nunca nada es tan claro como se ve en el cine. La mayoría de las personas no saben lo que desean o lo q sienten. Solamente en las películas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos.

A todos –y por supuesto me incluyo- nos resulta muy difícil decir lo que uno quiere decir, cuando lo que uno quiere decir es doloroso. La cosa más difícil del mundo es revelarse uno mismo, expresar lo que uno debe expresar… Como artista, siento que debemos intentar muchas cosas, pero sobre todo debemos atrevernos a fallar. Uno debe tener el valor de ser malo, estar dispuesto a arriesgar todo para realmente expresarlo todo.

El cine es una investigación sobre nuestras vidas. Sobre lo que somos. Sobre nuestras responsabilidades –si las hay-. Sobre lo que estamos buscando. ¿Por qué querría yo hacer una película sobre algo que ya conozco y entiendo?

Me gusta actuar en películas, me gusta filmarlas, me gusta dirigirlas. Me gusta la sensación de estar haciéndolas y eso es algo que yo respeto. No tiene la menor importancia si es una película mediocre o una película excelente. Amo a cualquier persona que pueda hacer una película. Pero me apena si no pone ningún pensamiento porque entonces se perdieron el tren.

Siempre he podido trabajar con cualquiera que no deseara éxito.

Las películas hoy muestran solo un mundo idealy han perdido contacto con la verdadera manera de ser de las personas. En este país, la gente muere a los 21. Mueren emocionalmente a los 21, quizás más jóvenes. Mi responsabilidad como artista es ayudar a la gente a que logre pasar los 21. Las películas son un mapa de ruta a través del terreno emocional e intelectual que brinda algunas ideas acerca de cómo ahorrar dolor".

Hoy, la gente de cine se preocupa demasiado por las cuestiones técnicas o mecánicas, no por los sentimientos. La calidad técnica de una película no tiene mucho que ver con si es o no una buena película. Me entran ganas de vomitar cuando un director me dice "Hoy he hecho la toma más maravillosa de mi vida". No es eso lo importante. Tenemos que superar la obsesión actual con la técnica y los ángulos de filmación. Es una pérdida de tiempo. Una película es mucho más que una serie de tomas. Si a lo único que se presta atención es a los ángulos de cámara, el resultado será malo. Así se termina haciendo una película en la que todos son trucos, sin conociemiento de la vida. Al actor no le queda nada que aportar, pues falta un significado, falta comprensión. Yo quiero hacer películas que dejen a los actores espacio y tiempo para actuar.Todo lo que realmente quiero hacer tiene que ver con los personajes más que con la formación de imágenes. Eso lo dejo para los demás. Lo que yo hago significa concentrarse únicamente en la realidad de los personajes y rechazar todo efecto cinematográfico. No nos permitimos pulir la imagen, ni usar una iluminación expresiva y ángulos de cámara muy elaborados. No quiero que lo que hago parezca "una película". Si es demasiado perfecto nadie lo creería. Me gusta un poco de fuera de foco. No quiero que el público admire la imagen. Si no puedes dejar nunca de mirar a los personajes terminas al fin SINTIENDO.

El director, si no tenemos más remedio que usar esta palabra, no debe organizar y sistematizar las cosas antes de comenzar la película. No me interesa la respuesta a las preguntas acerca del desarrollo de la estructura dramática y la evolución de los personajes. No quiero aferrarme a todas las ideas dramáticas y sicológicas que tuve cuando cuando escribí el guión. No quiero poner eso delante de la cámara. Me niego rotundamente a juzgar a los personajes de mis películas, y es fundamental que los personajes no se analizen a sí mismos ni a los demás durante el rodaje. Me abstengo de manejar a alguien a mi antojo, no impongo una visión moral estereotipada a mi trabajo. Cuando filmamos, renuncio a todas mis ideas, y a mis ideas preconcebidas, para poder dedicarme exclusivamente a lo que se despliega ante mí."

Alberto Fuguet ... uno de los nuestros

Hoy a sido un dia de esos no tan cotidianos como los demas. Llego gustavo de Iran y me alegro un dia negro, ademas hace mucho que no escuchaba algo de Peter Gabriel y eso me metio de lleno en emociones incontrolables, cuatico. Con tanto Peter en los oidos se me vino alguien a la mente, desconosco las causas, pero tiene que ser porque a los dos los admiro enormemente. A Peter por darme tanto recuerdo en mi vida con singular voz y a este otro ente por ser un simple cinepata que encanta con sus ideas, si, don Alberto Fuguet, un grande, hay que decirlo.

Alberto es un tipo que vivio la dictadura de otra forma, gracias a ella volvio a chile. Fue un cabro normal, como todos, pero tenia algo, le gustaba el cine, y arto. Segun el documental La primera pelicula de mi vida, que esta en el dvd de su pelicula se arrienda, el mismo señala con sus palabras que creció en un cinema, con los 400 golpes y esas peliculas de la nueva ola francesa, osea, crecio super bien orientado. Estudio periodismo y en 1990 saco su primer libro, Sobredosis. Luego sacaria el clasico, Mala onda, buenisimo libro que estoy terminando de leer, bueno bueno, un aplauso. Despues sacaria una variedad de libros, entre ellos, Por favor, rebobinar, las peliculas de mi vida, dos hermanos y muchas mas. A lo que pretendo ir es a lo siguiente. Alberto Fuguet es y sera siempre un cinepata, para el es mas comodo estar en una sala de cine que en una biblioteca y como dice, se moria, soñaba con filmar algun dia, contar una historia, como esas que veia desde pequeño y lo logró.

Un dia, llegó donde unos amigos al festival de cine de Buenos Aires con el guion fresco, fresh script, Se arrienda, titulo original, una historia a lo Fuguet, tipica, bien elavorada, de esas que llegan, que te hacen pensar, algo para una buena pelicula, faltaba la opinion y a filmar hemos dicho, nada mas. La historia gustó, se le agregaron los dialogos a la historia y se hiso el tipico casting. Luciano Cruz Coke, Francisca Lewin, Felipe Brown, Ignacia Allamand y Benjamin Vicuña, lo principal en lo que es actores. Primero se gravo un corto, las hormigas asesinas, en blanco y negro, te deja pidiendo aguita, es otra onda la que se ve, te traga entero, la soledad representada en Benjamin Vicuña de forma grandiosa, fenomenal, excelente trabajado, lindo. Despues, la pelicula Se arrienda. Se rodó en Santiago, ese set de filmacion que dice Alberto que es grandisimo, cada rincon tiene algo que decir. Se filmo a la perfeccion, la pelicula tiene un uso de camara buenisimo, me gusto muchisimo la fotografia y la forma de mostrar Santiago como se debe. El argumento es genial. Puedes estar en una de las ciudades mas conocidas del mundo, en el pais de las oportunidades y ademas siendo un genio, con eso, igual teni el riesgo de fracasar, asi es la vida, adecuemosnos al sistema, nada mas, si tenemos que terminar arrendando departamentos para vivir, cagamos, tenemos que arrendar. Estoi hablando bien a lo Fuguet, se me pegó.

Le fué bien, lo hizo bien. No fue una obra bomb, de segunda categoria, creo que pasó todo lo que Fuguet queria que pasara. Es de esas peliculas que te dejan una sonrisa al salir de la sala, creo que ya he hablado de esas.Eso queria Alberto y lo logró, sin duda alguna, yo termine con la sonrisa en la cara y pensando porque se vienen a hacer estas cosas ahora, como tambien lo dijo mi amigo Gustavo, con quien vi la pelicula.

Viendo el documental de la primera pelicula de Alberto Fuguet, me llegó profundamente uno de los tantas palabras que mencionó, entre tantas dijo: "En el diario mencionaron que se arrienda es la opera prima de Alberto Fuguet. Yo lo diria de otra manera. Creo que se arrienda es la primera pelicula de un cinefilo que escribio unos cuantos libros, yo digo que es asi". Lo que dijó tiene mucho que ver con el amor que él tiene hacia el cine, a pesar de no ser su trabajo, el que le da de comer, el cine es lo primero y filmar es un sueño.

Ahora nose en que esta Alberto. Estaba Filmando una nueva pelicula. La historia esta basada en un cuento que publico él mismo en su obra Cortos. El cuento se llama Perdido, escuche por ahi que en un festival de cine de aqui dieron un adelanto, pero no pudo seguir filmando por problemas con el fondart, por lo que leí, lamentable, seria un gusto irse del pais y ver la nueva obra de este cinefilo que se habia dedicado a escribir buenos libros.

El otro dia vi un corto que publico en su blog. El corto esta llamado como Matias en terapia. Es una pequeña idea que nace de su libro Mala onda. El corto consiste en que el personaje principal, Matias Vicuña, asiste a una tarapia donde Fuguet es la voz de fondo para interpretar al psicologo. Los dialogos son fuertes y la interpretacion que se hace del chico freak que llego de rio y sigue su vida en un chile que se encuentra en dictadura, es cautivadora. Este es el comentario que hizo Alberto sobre el cortometraje:

"Esto es un borrador-experimento. Una escena larga cerrada en si mismo, un retrato de un personaje en problemas. Fue parte de lo que se filmo para un tiser de MALA ONDA. Una vez encontrado el actor, luego de un extenso casting, se me ocurrió inventar esta escena que no figura en la novela. Partio como una idea de someter al personaje a otra experiencia que las que vive en la novela. Vicuña lo interpreta Ignacio A. que fue elegido luego de un largo casting; Ignacio está en el colegio, paso a 4to y tiene 17; no se hizo con varias camaras sino con una sola: una humilde y antigua Sony PD 170 y con luz natural"

Dejo el Link donde sale el corto y a la vez lo recomiendo, es bueno, sensillo e impacatante, algo interesante. Recomiendo a la vez apreciar las obras de Alberto, las literarias y cinematograficas tambien, un hombre interesante hablando desde la persepectiva de su trabajo, vale la pena leerlo y verlo, su estilo es unico, por algo marco una epoca y una forma de expresarse, ojala vean el video, a mi me gustó.

http://www.youtube.com/watch?v=Q2LrKsLDbLE

LA VIDA ME MATA ... oda a la muerte .. otra onda

Me habian hablado muy bien de esta pelicula, algo de lo nuevo del cine en chile, algo interesante, intrigante, nose, quede metido, no me tincaba mucho. El otro dia como siempre me pegue una vuelta por blockbuster con un amigo buscando algo para satisfacer mis necesidades de cinefilo. Derrepente, en la ultima parte de la seccion de estrenos, me llamo la atencion una caratula totalmente amarilla con un titulo en letras negras y un pajarito muerto dibujado. Cojí la caratula y leí el titulo, decia "La vida me mata". Recorde todo aquello que me habian hablado de esta pelicula y no la pense dos veces, la agarre y fui a la caja a pagar.Cuando llegue a mi casa, senti que era una pelicula que tenia que ver en la noche, tarde, con un cafe y la luz apagada, algo apropiado para esta cinta en blanco y negro y con ese tipo titulo.

Eran las 1 de la madrugada y la puse en el dvd, la vi en mi sillon negro y su cafe en la mano, claro, como de costumbre. De una no caché que onda la pelicula, salia la Claudia Celedón actuando muy mal, despues vi a Gabriel Diaz, el director de fotografia de las obras de Bize, actuando como personaje principal. En ese momento no entendia nada, pero me enfoqué en la trama, en el argumento, en lo que me queria decir la pelicula, solo en eso..

Al final, la vi dos veces, buscando y buscando algo, la encontre una pelicula cuatica, tiene dialogos raros y la interpretacion de los actores era algo singular, de otro mundo, no la involucraria con algo cotidiano. Pero igual, la pelicula es buena, refleja muy bien lo que sentia Sebastian Silva, el director y guionista, al crear la historia. Simplemente curiosidad, una curiosidad tremenda por esto de la muerte, representandola en muchos personajes y hechos que se desarrollan en el largometraje. Ademas, se representa todo esto en un ambiente blanco y negro que le da un toque triste a la obra, pero le da su estilo, hay que decirlo, le va bien.

Es increible tambien como Silva habla de la muerte con un tipo de ironia que te hace meterte en la pelicula y no dejar de verla, tiene sus tintes de comedia que la hacen original e interesante, una gran forma de representar a la muerte. El film dice mucho y nada, es raro, tiene algunos toques en donde se nota la influencia de Michael Gondry en el montaje, por ejemplo donde a Gaspar se lo traga la cama y despues ve pasto en su cuarto, genial.

Si puedo describir el proyecto en pocas palabras, podria describirlo como la muerte en blanco y negro filmada para el cine, me gustó, es arriesgada, se cruzó el rio y obtuvo para mucha gente buena aceptacion en el festival de valdivia, aunque no falta quien no entiende una y habla lo primero que se le viene, dejando asi mas de algun herido, lamentable, pero no es mi situacion, gracias a dios pude entenderla y disfrutarla, muy bien, algo adecuado para un mundo de locos como es Chile, ojala llegue a mas de uno, y fuera del pais tambien, esperamos que si.

Habrá que ver mucho despues de los oscar.

Es increible como pisotearon los hermanos Coen y su No country for old men, me tincaba mas el petroleo sangriento de Anderson, pero por algo son las cosas, no he visto las peliculas y anoche me di cuenta que hay mucho que no he visto y vere por amor a este invento del demonio llamado cine, como dijo mi amigo Gaspar. Primero que todo, Javier Bardem, gran ganador, mejor actor de reparto, salio de la industria europea, haciendo personajes tiernos y dramaticos, para entrar a la industria norteamericana y hacer de un personaje vengativo y violento, gran cambio, pero valió la pena, se gano la estatuilla y se lo merecia, gran trabajo, agregando esa parte en español que le dedico a su madre, glorioso, magnanimo, grande Bardem, realmente grande. Daniel Day Lewis, era obvio, con solo ver partesitas de la pelicula quede en las nuves, gran actor, gran ganador, otro que se lo merecia, sin dudas, un aplauso de pie, mas que eso yo creo.

La gran sorpresa, alguien de los tantos que no estaba ni ahi con ganar un oscar y lo ganó, Tilda Swinton, mejor actriz de reparto por su papel en Michael Clayton junto al nominado George Clooney, no cachaba una cuando se lo ganó, quedo plop, igual, otra cinta que hay que ver, de seguro. La otra sorpresa, la Francesa Marion Cotillard, por la cinta La vie en rose, no la conocia, pero se ve interesante. El mejor guion original se lo llevo Diablo Cody, por lo que realizo con Juno. Los hermanos Cohen se llevaron su primera estatuilla por lo hecho en su obra ya nombrada, luego como c/u como mejor director y luego como mejor pelicula, algo increible, el año de los Coen, sin duda alguna.

La gran perdedora, Cate Blanchett, con dos nominaciones, se uviera ganado el oscar a mejor actris de reparto, con el papel que hiso de Bob Dylan en I´m not there, lamentable, bueno, asi es la cosa, sera para la otra. Atonament, muy nominada y no ganó nada, pero igual, algo mas que hay que ver, por algo se nomino tanto.

Resumiendo, la cinta de los cohen, hay que verla. La de Anderson tambien, gran director, buena historia. Grande Daniel Day Lewis, como me dijo alguien ahi, el ciudadano Keane de nuestros tiempos, mucho que ver, recomendado a la vez.

(paréntesis) ... algo que decir

Es increible como tu situacion actual puede cambiar en un periodo de una semana, y mas si todo parte como el tipico "tiempo" que te dai con tu novia, bueno quien save, hay muchas maneras, pero aqui, pasó así. Esta es la historia de Camilo, un gallo infeliz, inmaduro. Sufre de insomnio y hace huevadas por la vida. Es un chico temperamental, sencible y sin grandes metas para su vida, el tipico gallo que detuvo todo y se quedó estancado, remediandolo todo con su coctel de pastillas y su cafe abitual. Su novia Pola le pide un receso, lo que la por casualidad le hace conocer a Mikela, una chiquilla de 16, erratica y especial, vive el presente, le encanta el helado y las hamburguesas, merodea por santiago como si nada, hay que decirlo, es rara. El encuentro entre Camilo y Mikela marca la pelicula, le da a Camilo lo que nunca pudo tener, tranquilidad, lo hace feliz, es como esa cosa que te salva el momento, es como un cigarrillo para las dificultados, es como la musica para mi papa cuando se enojaba, es como el copete para el tipico pendejo irresponsable, se borrar, se sienten mejor, la Mike es todo aquella para camilo, pero lamentablemente Mikela esta hecha del mismo material que el sueño, llegan y duran lo que dura un sueño. Hasta aqui llega la tranquilidad de Camilo, vuelve con pola y todo vuelve a ser como antes, algo que no queriamos, pero sin eso la pelicula no era lo que era.

La pelicula puede que sea como un simbolismo para lo momentario que nos hace felices, en una de esas nos representa mucho para lo que imaginamos, el sueño de todos, la felicidad, estamos en un mundo donde necesitamos tranquilidad, quien save, pero algo representa la pelicula, mucho diria yo.

Es necesario recalcar dentro de los personajes un ente intermediario dentro de la historia, Gus, un amigo de Camilo. Gus es un personaje. Es de ese tipo de gente que se construye a si mismo como un superhéroe. Es un tipo raro: prácticamente no habla, vive solo en una gran casa de lujo con piscina. Es el consejero sentimental de Camilo, es el tipo de persona que deberiamos ser nosotros, ya que solo dice lo que se debe decir y punto. De una puede caer mal, pero es buena persona, te termina agradando, aparte que esta muy bien interpretado por Luis Gnecco, un aplauso para Luis y su personaje Gus, realmente merecible de algo mas que un aplauso o una estrellita de mas en revistas y diarios.

La pelicula esta filmada en 35mm, no es gran cosa, pero la tematica que trata es profunda, ni tan profunda pero algo te deja, si se uviera hecho como las hace fuguet, creo que tendria mas flores de las que le doi, veanla, es de esas peliculas que recomendai sin saver porque, debe ser por su contenido, quizas porque, quien save, tendre que preguntarle a los guionistas, menterme en su mente y seguir maravillandome, cuatico pero verdad, asi es la vida.

¿De que seria la vida sin el cine?

El cine es uno de las muchas manifestaciones artisticas que se observan en todo el mundo y se han observado durante la historia, es un arte joven en comparacion a la musica y la pintura, pero no menos interesante.

Podemos interpretarlo como imagenes moviles con un tipo o dos hablando sobre algo, quien save de que, pero hablan de algo. En mi opinion no es asi, el cine va mas alla de lo que ven los ojos, este no solo son imagenes y sonidos dando vuelta, sino mas que eso. Son manifestaciones, historias, vivencias, ideas, experiencias, amor, odio, emocion y toda la vaina aquella. Es algo que va mas alla de lo que simplemente ven los ojos, algo que simplemente no se ve, pero si quisieramos, podriamos ver.

Atravez de la historia han existido genios que han creado increibles obras inmortalizadas en el tiempo, tenemos a Orson Welles y su glorificado ciudadano Keane. Tenemos al mitico Marlon Brando interpretando a Vito Corleone, creado por el grandisimo escritor Mario Puzo y llevado a la pantalla grande por uno de los mejores directores de todos los tiempos, el empeñoso Francis Ford Coppola. Tambien tenemos a De Niro trabajando como La Motta en "Toro salvaje" y como el mitico taxista loco en "Taxi Driver", ambas dirigidas por el impresindible Martin Scorsese. Existen muchos personajes a lo largo de la historia del cine que nos quieren decir cosas importantes, ademas nos entregan ideas y vivencias, nos hacen crecer y movernos a su pinta, todo eso va dentro de esto, de un ambiente, de un mundo, dentro del cine.

Todos tenemos un punto de vista, puede que no solo sea uno, sino dos o tres, quizas cuatro, quien save, todo va en uno. Tambien puede existir gente que no tiene que pensar del cine, gente que vive de ello y que toma una filosofia de vida ante el septimo arte, existen personas que hacen un libreto demostrando quienes son en una simple historia de ficcion y luego es filmada. Se puede demostrar la soledad, la locura, la incoherencia, el poder, la importancia, la muerte, el miedo, la infelicidad y apariencia dentro de un solo personaje o mas. Eso es cine, es contar una gran historia, captar atmosferas y una cantidad enorme de funciones, eso es la cinematografia, esta habla por si sola en una sala o quien save en el comedor de tu casa junto a tu polola o tu familia.

Matias Bize ... un gran homenaje a Chile.

Un dia mi querida prima me dijo: "En lo mas pequeño y sencillo encontraras lo mas bello de la vida". Sin duda para mi me a marcado en todo ambito y ademas lo he podido apreciar en las cintas de este prometedor cineasta.

Un dia haciendo zapping, me encontre con una deslumbrante Blanca Lewin y un genial Gonzalo Valenzuela mostrando sus dotes actorales entre sabanas y las paredes de un motel, algo curioso e interesante. Fue asi como tuve mis primeros contactos visuales con los proyectos del joven egresado a los 23 años de la Escuela de cine de la U. de Chile. Matias Bize, comenzó a experimentar con la camara y como reaccion quimica resulto un proyecto llamado "Sabado: una pelicula en tiempo real". Como lo dice el titulo, una pelicula en tiempo real, sin cortes, un experimento total y exitoso, ganador de numerosos premios internacionales y sin duda una rica experiencia para cada uno de los actores, sobre todo para Bize, el gran director. Luego vendria su trabajo mas conocido hasta el momento, "En la cama", otro experimento, algo parecido a "Tape" de Richard Linklater, pero con la diferencia que la historia es mas profunda e intima, los dialogos son interesantes, comeinzan comunes y superficiales, pero desembocan en profundas charlas, un gran logro por parte de Matias y su co-guionista, 5 estrellas y mas de todas maneras, un clasico para el cine chileno, sin duda alguna.

Hace poco salio su ultima pelicula, "Lo bueno de llorar", la historia de la ruptura de uan pareja, rodada en España gracias a los fondos recaudados por sus anteriores proyecto. Bize nos cuenta una vez mas una sencilla historia de cualquier dia, algo abitual en él, ya que como lo simbolisan muchos, un director sencible e intuitivo, algo poco visto en un hombre de nuestros tiempos, por algo se dedico a crear historias y a filmarlas, por algo se convirtio en una promesa de nuestros tiempos, por algo esta donde esta y a pisado tanto festival internacional por sus trabajos, mas que todo, no solo merece un aplauso, sino muchos, ojala el dia de mañana meresca muchos de estos y con espectadores de pie, seria genial.

Annie Hall .. un buen comienzo

No hay cosa mas rica que comentar una buena pelicula, sobretodo si es de un gran director como el gran Woddy Allen, creador de obras maestras que no van mas alla de una sensilla historia en una gran ciudad que influye en el comportamiento de los personajes diambulantes del largometraje, osea este gallo hace cosas geniales con la camara y no es solo mi apreciacion, se los aseguro.

Annie Hall es la historia de un comediante neurotico neoyorquino (Woddy Allen) y su relación con Annie ( Diane Keaton), mas que eso no es, es la historia del romance entre dos personas que se conocieron en un partido de tenis, es la gran representacion de la vida en pareja, de la complementacion de dos personas al conocerse y dió luz al mundo acerca de las ideas de Allen y lo importante que seria para la historia del cine, la comedia y todo aquel que vive a full sus historias, sus dialogos y sobretodo su forma de ver la vida y elementos de esta misma.

Esta obra puede ser descrita como uno de los tantos discos de the beatles, ya que estos marcaron una epoca y una manera de hacer la musica. Annie Hall marco una epoca y una manera de hacer cine, marco una manera de contar una historia y a la vez inmortalizar esta historia dentro de las carteleras y las criticas de cine, sin duda un clasico, mas que eso diria yo, no sabria como ponerlo, sinceramente no lo se.

Esta mas decir que este blog es de cine, de buen cine y el honor que me nace al comenzar este con esta pelicula, aqui los dejo con un comentario de la pelicula que salio en vagos.es, ojala alguien se de la molestia de leerlo y asi tambien entusiasmarse con la cinta, muy recomendable y una gran comedia romantica.

ANNIE HALL (1977)

Esta comedia romántica dirigida por Woody Allen describe los altibajos de la relación de una desigual pareja de neoyorquinos neuróticos.

El autor de comedias de origen judío, Alvy Singer (Allen), reflexiona sobre la búsqueda del amor y su acabado romance con la cantante Annie Hall (Diane Keaton, nacida Diane Hall). El dos veces divorciado Alvy sabe que no es fácil encontrar pareja cuando las opciones incluyen a pretenciosos intelectuales neoyorquinos y a los reporteros de Rolling Stone obsesionados con su tren de vida, pero Annie parece distinta.

A lo largo de su tortuosa relación, discuten de temas tales como las interminables terapias psicoanalíticas, el cine frente a la televisión, lo absurdo de las citas convencionales, el antisemitismo, las drogas y, en una de las escenas más logradas, el contraste entre el desequilibrio mental de los reprimidos anglosajones protestantes del Medio Oeste y la locura escandalosa de los judíos de Brooklyn. Pero Annie quiere trasladarse a Los Ángeles para encontrar la fama que finalmente acaba con la relación (aunque no sin que Alvy haga antes algunos comentarios sarcásticos sobre la vacuidad y la obsesión mantra de California).

Originalmente titulada Anhedonia (la incapacidad para disfrutar de uno mismo), Annie Hall combina con destreza los golpes de humor y la fantasía de películas anteriores de Allen como El dormilón (1973) y Bananas (1971) con las reflexiones más autobiográficas de sus actuaciones micrófono en mano y de sus comedias escritas, valiéndose de toda una serie de técnicas cinematográficas como cabezas parlantes, pantallas divididas y subtítulos. En medio de estos brillantes experimentos formales y gags visuales, Allen y el coguionista Marshall Brickman ofrecen una visión mordaz del solipsismo de los años setenta, invirtiendo la idea de los felices matrimonios de contrarios de las clásicas comedias de enredo.

Considerada como la película más madura y personal de Allen, Annie Hall arrebató a La guerra de las galaxias el premio a la Mejor Película y le valió a Allen el Oscar al Mejor Director y otro al Mejor Guionista, y a Keaton el Oscar a la Mejor Actriz. El público respondió con entusiasmo a la visión de Allen del amor contemporáneo y transformó el arrugado atuendo masculino de Keaton en una moda.

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Woody Allen.

Fotografía: Gordon Willis

Producción: Fred T. Gallo, Robert Greenhut, Charles H. Joffe, Jack Rollins (II)

Género: Comedia/Romance

Guión: Woody Allen, Marshall Brickman.

País: Estados Unidos

Duración: 93 min.

Reparto: Woody Allen (Alvy Singer), Diane Keaton (Annie Hall), Tony Roberts (Rob), Carol Kane (Allison), Paul Simon (Tony Lacey), Shelley Dubal (Pam), Janet Margolin (Robin), Colleen Dewhurst (Mom Hall), Christopher Walken (Duane Hall), Donald Symington (Papá Hall), Helen Ludlam (Grammy Hall), Mordecai Lawner (Papá de Alvy), Joan Newman (Mamá de Alvy)